Mit der Lesung zu „Die Cops ham mein Handy“ wurde die erfolgreiche Reihe Spielbar im Institut des Schauspielhauses nach der Zwangspause reaktiviert. Das Buch von Lukas Adolphi bietet einen interessanten Einblick in eine Jugendkultur, deren Protagonisten das Handy ausgiebig als Kommunikationsmittel benutzen und dadurch eine eigene Form der Sprache kreieren. Zudem lernt man viel über das Verhältnis der Geschlechter und das Wunsch und Realität doch häufig auseinander gehen. Ein Bericht vom 02.Februar 2018.

Vom Raubüberfall zum Buch: Dem Autor Adolphi wird sein Handy geraubt. Aller Wahrscheinlichkeit widersprechend bekommt er es nach einigen Monaten wieder. Zu seiner Überraschung mit der gesamten Kommunikation des Räubers und seines Umfeldes.

Eine Reise ins Milieu von eher bildungsfernen Jugendlichen (17-19 schätze ich mal) und ihrer Welt. In dieser Welt gibt es Dinge die scheinbar recht einfach laufen (Sex) und Dinge, die etwas schwieriger sind (Geld). Gefühlt 80% der „Handlung“ dreht sich um die Kommunikation zwischen dem Protagonisten und Schüler Marco (gelesen von von Andreas Beck) seinem Schwarm, seiner Exfreundin und diverser anderer Mädchen. Während sich Andere tagelang Gedanken machen, ob die erwählte Frau gelbe oder rote Blumen mag und mehrere Dates abgewartet werden müssen, geht es in Marcos Welt einfacher zu. Einfach einer weiblichen Person aus seinem Umfeld eine SMS mit der eindeutigem Frage nach Sex zu schicken und schon kommt eine Nachricht nach dem Motto „heute nicht, da kommt mein Freund, aber vielleicht morgen“.

Das „vielleicht“ ist ein ganz wichtiges Wort. Denn tatsächlich entpuppt sich das meiste Geschriebene als ein ziemliches Geprotze. Vom den geplanten Dreiern mit zwei Frauen oder zusammen mit seinem besten Freund Toni findet letztendlich aus banalen Gründen (kein Gummi, keine Zeit) nichts statt.

Zur Überraschung entpuppt sich Marco als großer Romantiker, der seiner großen Liebe Anne (Ann Kathrin Schulz) mit Liebesgedichten zu imponieren versucht. Im Laufe des Textes kommt heraus, dass Anne bereits einen Freund hat, was aber Anne und Marco nicht weiter zu stören scheint. Schließlich ist Marco ja auch mit anderen Frauen zusammen.

Eins muss man festhalten: Der Humor des Buches kommt bei einer Lesung besonders gut zum tragen. Mit dabei waren in den unterschiedlichen Rollen die Souffleuse Ruth Ziegler, Dramaturgin Ann-Kathrin Schulz, Andreas Beck, Eva Verena Müller, Ekkehard Freye und Dramaturgieassistent Matthias Seier.

Ein gelungener Start für die Spielbar in der neuen Spielzeit.

Feststeckend im Alltagstrott träumt man von den verpassten Möglichkeiten. Bis sich plötzlich die Chance auf einen Neubeginn eröffnet – wenn auch zwangsweise. Das Tanztheater der Tanzwerkstatt KOBIseminare präsentierte mit „Hätte, sollte“ im Theater im Depot ein schönes Stück um die Möglichkeit des Ausbruchs um eine nervtötende Routine. Ein Premierenbericht vom 27.01.2018.

Zwölf Mitarbeiterinnen des Logistikunternehmens „Schnittelbeck&Söhne“ bei ihrer täglichen Arbeit. Pakete schleppen, frankieren, hin- und herräumen. Die tägliche Monotonie. Es wirkt beinahe als hätte Choreografin Birigt Götz sich im neuen Logistikzentrum von Amazon umgesehen und die monotonen Arbeitsabläufe in Tanzbewegungen umgewandelt. In der Pause unterhalten sich die Arbeiterinnen über ihre Träume und verpassten Chancen.

Als in der nächsten Pause die Nachricht mit der Kündigung kommt, werden die Frauen aufmüpfig. Sie wollen doch gerne mal wissen, was so in den Kisten ist. Dabei stellen sie fest, dass die Firma nach Taiwan umzieht.

„Hätte, sollte“ ist ein munteres Stück. Tanzeinlagen und gesprochene Elemente wechseln sich ab und machen das Stück sehr lebendig. Sehr gut gelungen sind die verschiedenen Charaktere wie die verkappte Musical-Sängerin oder die Kollegin mit dem schwäbischen Dialekt, um nur zwei Beispiele heraus zugreifen.

Neben elektronischer Musik wurde noch nach Musik aus den 80ern getanzt, als die Damen ein Paket mit Vinyl-Schallplatten öffnen. ABBA, Kool & and the Gang und weitere wurden zum musikalischen Trip in die Jugendzeit.

Die Moral der getanzten Geschichte: Jeder Neubeginn bietet immer wieder auch die Chance, seine Träume zu verfolgen. Die weiteren Termine für das Stück sind am 30. und 31. Januar um 20 Uhr im Theater im Depot.

Am 20. Januar 2018 präsentierte das Schauspiel Dortmund den Schauspieler Joachim Król mit „L‘orchestrte du soleil“, der aus „Der erste Mensch“ von Albert Camus las. Król war bereits 2015 mit einer Lesung aus dem Buch „Seide“ im Schauspielhaus gewesen. Statt nach Japan ging die Reise nach Nordafrika, speziell nach Algerien.

„Der erste Mensch“ ist ein zum großen Teil autobiografisches Werk von Albert Camus. Der Literaturnobelpreisträger und Philosoph beschreibt hier seine Kindheit. Geboren in Algerien, das damals noch eine französische Kolonie war, aufgewachsen im Armenviertel der Stadt ohne Vater, der im Ersten Weltkrieg gefallen war, schafft der durch die Unterstützung des Grundschullehrers den Weg auf Gymnasium. Jacques Cormery, so nennt sich Camus in dem Buch, blickt – wenn auch etwas romantisch gefärbt – auf die Lebenssituation seiner Familie zurück. Seine Mutter ist Analphabetin – ebenso wie die strenge Großmutter – und im ganzen Haus gibt es nichts, was nicht irgendeinen Nutzwert hat. Bücher sind dort etwas völlig Fremdes.

Das ganze Leben der Familie dreht sich um die Arbeit. Urlaub oder Ferien sind für sie Begriffe, die sie nur schwer verstehen. Trotzdem erdulden sie ihr Leben, sie nehmen es hin, ähnlich wie Sisyfos (über den Camus auch ein Buch verfasst hat), der Tag für Tag einen Stein den Berg hinauf rollt.

Warum trägt das Buch den Titel „Der erste Mensch“? Auf dem Gymnasium trifft er auf Klassenkameraden, die aus der französischen Mittelschicht kommen und eine Familiengeschichte haben. Sie wissen, woher sie kommen, was ihre Urgroßeltern gemacht haben. Cormery (Camus) weiß das nicht. Für ihn ist es, als wäre er der erste Mensch.

Eine zentrale Rolle in dem Buch spielt der Grundschullehrer und Camus‘ Förderer Louis Germain. Wäre er nicht gewesen, hätte wohl der junge Albert das Elendsviertel von Algier kaum verlassen und wäre sicher nicht Schriftsteller und Nobelpreisträger geworden. Manchmal braucht man einen wichtigen Anstoß von außen, der einem auf den weiteren Weg hilft.

Der Roman ist berührend und es ist dem Talent von Joachim Król zu verdanken, dass die Geschichte lebendig wird. Dazu gehören auch die sechs Musiker, die ihn begleiteten. Sie spielten eine Mischung zwischen französischen und arabischen Klängen, teils folkoristisch, teils etwas jazzig. Von der ersten Sekunde entführten sie uns nach Nordafrika und die wunderbare Sprache Camus‘. Die Vorlesekunst Króls tat ein übriges, dass sich wohl alle Zuhörer in die Rolle des kleinen Jungen hinein fühlen konnten.

Jörg Buttgereit ist zurück im Schauspiel Dortmund mit der neuen Gesprächsreihe Nackt und zerfleischt. In der ersten Folge am 13. Januar wurde zwar niemand zerfleischt und es gab wenig Nacktes, dennoch war der Abend ein großer Erfolg. Denn das Thema der ersten Folge war „Turksploitation“. Dazu hatte Buttgereit als Experten den Regisseur Cem Kaya eingeladen, der zum Thema den Film „ Remake, Remix, Rip off“ gemacht hat.

In den 70er und 80er Jahren war das Schauen von Videofilmen ein großes Freizeitvergnügen in den türkischen Familien in Deutschland. Die Heimat war weit weg und so boten die Kassetten immerhin Unterhaltung in der eigenen Sprache. Bis zu zehn Filme wurden ausgeliehen, die quasi pausenlos über die Bildschirm flimmerten. Die Stoffe orientierten sich an den großen Hollywoodstreifen, deren Drehbücher manchmal minimal verändert oder aber völlig umgearbeitet wurden.

Es waren Massenwaren, die möglichst billig heruntergekurbelt wurden mit Kameras auf dem technischen Stand der 40er Jahre und mit nur einer Tonspur. Schauspieler drehten oft mehrere Filme gleichzeitig auf dem Set.

Aus der riesigen Auswahl an Filmen entschied sich Buttgereit zu „Rambo“. Wer anders als Uwe Rohbeck als Louis Cypher aus Buttgereits letzter Dortmunder Produktion „Besessen“ las Auszüge aus den Beurteilungen der Bundesprüfstelle zu den Rambo-Filmen. Der erste der Reihe „First Blood“ bekam seinerzeit das Prädikat „besonders wertvoll“.

Danach ging es ans Videogucken, wobei Kaya den Film auf eine DVD gebrannt hatte. „First blood“ wurde als „Vashi Kan“ (Wildes Blut) – sagen wir mal – neu interpretiert. Man hielt sich überwiegend an das Originaldrehbuch und die Musik wurde auch vom Original genommen. Dabei hatten die türkischen Regisseure noch ein weiteres Problem: Sie mussten sich mit der Zensur herumschlagen. Dennoch wirkte Vashi Kanan vielen Stellen einfach nur unfreiwillig komisch.und wirkte von seiner Machart ein wenig wie Ed Woods „Plan 9 from outer space“. Hier versuchte Wood mit extrem bescheidenen Mitteln einen spannenden Film zu produzieren und scheiterte.

Gescheitert sind seine türkischen Nachfolger keinesfalls, denn zumindest bis zum Aufkommen der Satellitenschüsseln, waren sie aus dem Leben der türkischen Familien nicht wegzudenken. Was man bei allem Lachen über den Trashfaktor (warum tauchen plötzlich Zombies in einem Rambo-Film auf): man spürt als Zuschauer die Liebe und Leidenschaft aller Beteiligten zum Medium Film. Und da ist wieder die Brücke zu Ed Wood.

Der erste Abend war ein äußerst vergnüglicher. Nackt und zerfleischt ist eine wirklich sehr schöne Reihe, um Interessierten einige Subgenres zu präsentieren, die man aus eigenem Antrieb wohl nicht entdeckt hätte. Zum Spaßfaktor konnte man am Samstag noch eine Menge lernen. Daher gebührt Cem Kaya auch ein großes Dankeschön. Ihm hätte ich stundenlang zuhören können. Ich bin schon gespannt auf das nächste Mal, wenn es um „Gorillawood“ geht.

Ein großes Ensemble-Stück im kleinen Studio. 10 Schauspieler und einen Musiker brachte Regisseur Sascha Hawemann in den „Kirschgarten“ von Anton Tschechov unter. Die Tragik-Komödie war die bitter-süße Kapitulation des Adels vor dem neu aufstrebenden Bürgertum. Ein Premierenbericht vom 29. Dezember 2017.

Wenig Platz fürs Publikum. Zwei Stuhlreihen vor Kopf, an der Seite nur eine. Selbst das Füße ausstrecken war nicht immer gefahrlos möglich, denn der kleine Gang wurde auch von den Schauspielern benutzt. Aber gerade diese Nähe machte die Inszenierung von Havemann zu einem emotionalen Erlebnis.

In „Der Kirschgarten“ von Tschechow geht es um das Gut und den Kirschgarten von Ljubow Andrejewka Ranjewskaja, die dort mit ihrem Bruder Gajew, ihrer Tochter Anja und ihrer Adoptivtochter Warja lebt. Gerade aus dem Ausland wiedergekommen, sind sie zwar völlig überschuldet, aber vor allem Ljubow Andrejewka ist noch dem aristokratischen Denken verfallen. Daher lehnt sie auch das Angebot vom Kaufmann Lopachin ab, den Kirschgarten zu parzellieren und zu verpachten. Am Ende verliert sie Gut und Garten.

1861 wurde die Leibeigenschaft in Russland abgeschafft. Die alten traditionellen Werte lebten aber in den Köpfen weiter. Sehr gut zu sehen in den Figur von Ljubow Andrejewka. Friederike Tiefenbacher spielte die weibliche Hauptfigur als verletzliche Frau, die zwar immer wieder versucht ihren Stolz zu bewahren, aber am Ende vor den Trümmern ihrer Existenz steht. Ljubow Andrejewka hatte es nie verstanden, dass die Macht vom Adel zum Geldadel wechselte. Vom gleichen Schlag ist ihr Bruder Gajew (Ekkehard Freye). Er scheitert in seinen Versuchen, Geld aufzutreiben, um das Gut zu retten.

Die andere Figur, die den Zeitenwandel versucht zu negieren, ist der alte Diener Firs (Uwe Schmieder). Für Firs ist die neue Ordnung nichts. „Hie Bauern, hie Herren – man wusste, woran man war. Jetzt läuft alles durcheinander, kein Mensch kennt sich mehr aus.“ Am Ende des Stückes bleibt er einsam und vergessen im verlassenen Gutshaus.

Die neue Zeit repräsentiert niemand so gut wie der Kaufmann Lopachin. Eine Paraderolle für Frank Genser, der dem Stück eindeutig seinen Stempel aufdrückte. „Dasselbe Gut hab‘ ich gekauft, auf dem mein Vater und Großvater leibeigene Knechte waren, die nicht mal die herrschaftliche Küche betreten durften“, sagt er als Lopachin. Eines der zentralen Sätze im Stück. Doch Lopachin fehlt etwas, die Liebe. Er liebt Warja (Bettina Lieder), doch er ist vor lauter Geld verdienen unfähig, seine Gefühle auszudrücken. Warja ist zwar die realistischere der beiden Töchter und wurde von Lieder auch mit einer gehörigen Portion Energie und Entschlossenheit gespielt.

Auch dem nächsten Liebespaar ist kein glückliches Ende beschieden. Anja (bezaubernd Merle Wasmuth) ist ein sensibles Mädchen, das den ewigen Studenten Trofimov liebt. Trofimov, gespielt von Björn Gabriel im Rudi-Dutschke-Look), kann sehr gute Reden halten, ist aber unfähig zu lieben. Von daher trennen sich ihre Wege am Schluss.

Das Stück ist in den Nebenrollen sehr gut besetzt. Carline Hanke als überdrehte Gouvernante Charlotta und Marlena Keil als Dunjascha. Dunjascha teilt das Schicksal von Anja und Warja, denn auch aus ihrer Liebe wird nichts. Jascha (schön geckenhaft gespielt von Raafat Daboul) verschmäht sie, und den Pechvogel Semjon (auch Uwe Schmieder) will sie nicht.

Eine wichtige Rolle spielte Alexander Xell Dafov als Musiker, der die Inszenierung klanglich begleitete. Von Russen-Pop über russischer Sakralmusik und 80er Jahre Reminiszenzen „The final Countdown“ bis hin zu elektronischer Partymusik reichte das Repertoire.

Nach „Eine Familie“ im großen Haus und „Furcht und Elend des Dritten Reiches“ im Megastore war es die erste Arbeit Hawemanns im Studio. Bühnenbildner Wolf Gutjahr nutzte den verfügbaren Raum optimal aus. Durch die Nähe zum Publikum war die Inszenierung sehr intensiv, vor allem im zweiten Teil, als die Komödie sich in eine Tragödie wandelte. Emotion pur – Dank eines engagierten und spielfreudigen Ensembles mit Frank Genser als Kirsche auf der Sahne.

Infos und Karten unter www.theaterdo.de

154 Stimmen wurden abgegeben. Am Ende stand fest: Der Fotograf Axel M. Mosler durfte sich am Sonntag, 17. Dezember, über den 1. BIG-Kunstpreis 2017 freuen. Markus Bäumer, stellvertretender Vorstandsvorsitzender der BIG direkt gesund, überreichte die mit 2000 Euro dotierte Auszeichnung in der BIGgallery. 

Auf Wunsch der vier ausstellenden Künstlerverbände hatten die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Direktkrankenkassen im BIG-Intranet ihren Favoriten für den Kunstpreis gewählt. Jeder Mitarbeiter hatte eine Stimme, 154 gültige Stimmen wurden abgegeben. Axel M. Mosler hatte mit der Fotografie eines Rennradfahrers, das dessen Geschwindigkeit erahnen lässt, die meiste Zustimmung erhalten.

Auf dem zweiten Platz folgte Andrea Hüsken mit ihrer Installation der „Soul-Surfer“-Skulpturen. Karla Christoph belegte mit ihrer Arbeit „Rasender Stillstand“ Platz 3. Hintergrund für den erstmals ausgelobten Preis ist die fünfjährige Kooperation zwischen der BIG und den vier Dortmunder Künstlerverbänden BBK Ruhrgebiet, BBK Westfalen, Dortmunder Gruppe und Westfälischer Künstlerbund Dortmund. „Anlässlich dieses kleinen Jubiläums wollten wir die BIG in das Ausstellungskonzept unter dem Titel „Bewegung“ einbeziehen“, erklärt Monika Pfeiffer, stellvertretende Sprecherin der vier Künstlerverbände. Diese Geste habe man sehr zu schätzen gewusst, so Markus Bäumer. Gefreut habe er sich, dass es der ausdrückliche Wunsch der Künstler gewesen sei, die Mitarbeiter der BIG über den Preisträger entscheiden zu lassen.

Elendstouristen kommen in eine Kneipe, die es besonders in sich hat – voll mit Außenseitern und gescheiterten Existenten wie sie nur Werner Schwab kreieren konnte. Willkommen in der Wiedereröffnung des Studios des Schauspiel Dortmund, willkommen bei „Übergewicht, unwichtig: Unform“, ein europäisches Abendmahl von Werner Schwab. Nehmen Sie etwas zu trinken und vergessen Sie Ihr Brot nicht.

Früher gab es in Dortmund die Kneipe „Bei Ernie“ direkt hinter dem Burgtor. Wenn man den Geschichten und Mythen glauben schenkt, dann war das kein Ort für Schicki-Micki-Menschen auf der Suche nach dem coolsten Elendstourismus. So einen Kneipencharme zauberte auch Johannes Lepper ins Studio, obwohl seine Kneipe (mit einem riesigen Bild der Schlacht von Austerlitz) ein wenig geräumiger Aussicht.

In der Kneipe befinden sich neben der Wirtin (Amelie Barth), der Kneipenphilosoph Jürgen (Uwe Rohbeck), das Pärchen Schweindi (Andreas Beck) und Hasi (Marlena Keil), der grobschlächtige Karli (Frank Genser) mit seiner Freundin Herta (Friederike Tiefenbacher) und Fotzi (Christian Freund).

Das Stück kreist im wesentlichen um die Unzulänglichkeiten der anwesenden Akteure. Der naive und linksliberale Jürgen versucht seine Los als einfacher Lehrer zu überspielen, Schweindi möchte mit Hasi ein Kind, ist aber impotent und pädophil. Hasi selber wurde als Kind von ihrem Vater missbraucht, wie sich gegen Ende des Stückes herausstellt.

Karli ist ein grobschlächtiger Mensch, der eine ziemlich kurze Zündschnur besitzt und seinen Frust gerne auch gewalttätig an seiner Freundin Herta ablässt. Herta selbst spielt die Rolle der Schmerzensmaria und hält dies geduldig aus. Fotzi hingegen ist eine Frau unbestimmten Alters, die durch ihr exhibitionistisches Verhalten versucht, die Aufmerksamkeit auf sich zuziehen und Geld für die Musikbox zu schnorren.

Ein wesentlicher Bestandteil in den Werken Schwabs ist die Beschäftigung mit Nahrung. In „Übergewicht“ geht es besonders um das „Brot“, das für Schweindi einen sakralen Charakter besitzt. Jedoch immer mit einem aggressiven Unterton. So fährt er Karli mehrfach an: „Kriegsverbrecher, Brotbetrüger, Kriegsbetrüger, Brotverbrecher. Nie wieder erlangst du von mir eine Vergebung.“

Ein weiteres Merkmal der Schwabschen Sprache sind die teilweise vulgären Sprüche der Protagonisten, die aber durch hochgestochene Ausdrücke angereichert und dadurch konterkariert werden.

Die Ausdrucksweise mancher von Schwabs Figuren wirkt abgehärtet, ungebildet und arrogant, sogar vulgär. Sie überraschen gleichzeitig aber, in dem sie plötzlich einen hoch gestochenen Ausdruck verwenden, der man in demjenigen Milieu und von derjenigen Figur nicht erwarten hätte.

Schwabs Figuren träumen von einem einfachen, normalen Familienleben, sie sind aber nicht in der Lage, es zu verwirklichen.

Im weiteren Verlauf kommen zwei Gäste (Edith Voges Nana Tchuinang und Raafat Daboul) in die Wirtschaft, die sich separieren und stumm bleiben. Langsam aber sicher ziehen sie den Unmut der anderen Gäste auf sich, die ihren persönlichen Frust und Neid auf die beiden Neuankömmlinge abladen bis es zum Mord und Kannibalismus kommt ähnlich im Film „Eat The Rich“. Dabei mutiert Herta, die als einzige nichts vom Menschenfleisch genommen hat zu einer Heiligen, um die alle Füße-küssend eine Prozession abhalten. Hier kommt die Auseinandersetzung mit Schwabs religiöser Mutter wohl zum Tragen.

Surreal wie bei Beckett wird es, wenn nach dem Aufräumen plötzlich wieder das Paar ins Wirtshaus einkehrt.

Das Gute an der Inszenierung von Lepper ist es, dass er den Figuren auch ein wenig Zeit zum Atmen gibt. Denn das Stück besteht nicht nur aus skurrilen Dialogen, die zum lachen sind, sondern auch ab und an aus sehr ernsten Teilen. Wenn beispielsweise Schweindi seine Verzweiflung klagt oder Jürgen seine Weltverbesserungsideen zum besten gibt.

Die Schauspieler tragen mit dazu bei, dass „Übergewicht“ eine rundum gelungene Inszenierung wird. Vor allem Beck, Genser und Rohbeck. Denn in dem Stück versuchen die männlichen Hauptfiguren ihre Dominanz unter Beweis zu stellen. Da sind die Frauen mehr oder weniger Staffage. Dennoch zeigen Keil (Hasi), Tiefenbacher (Herta) und Barth (Wirtin), dass sie den Männern durchaus Kontra geben können, wenn es auch für Herta danach schmerzhaft wird.

Eine Sonderrolle hat Fotzi, die von Christian Freund gespielt wird.

Eine Empfehlung für alle, die auf absurdes, surreales Theater stehen. Derbe Sprache und viel Blut auf dem Theaterboden. Alle, die das nicht stört, werden einen unterhaltsamen Abend bekommen.

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Alexander Puschkin schrieb in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts mit Eugen Onegin ein russisches Nationalepos. Zeitlich spielt der romantische Versroman zwischen dem „alten Russland“ mit seinem Landleben und dem „modernen Russland“ in den Städten. Kein Wunder, dass mit Peter Tschaikowsky ein musikalischer Vertreter der russischen Romantik das Libretto zu einer Oper vertonte. Am 02. Dezember 2017 hatte „Eugen Onegin“ in der Inszenierung von Tina Lanik Premiere in der Dortmunder Oper.

Die Geschichte: Der Dichter Lenski bringt seinen neuen Nachbarn Onegin mit zum Gutshof seiner Verlobten Olga, die mit ihrer Mutter und ihrer Schwester Tatjana dort lebt. Olga ist naiv und lustig, während Tatjana, ein Bücherwurm und introvertiert ist. Tatjana verliebt sich in Onegin, der ihre Liebe aber zurückweist.

Auf einem Fest flirtet Onegin mit Olga, was Lenski wiederum eifersüchtig macht. Nach einem heftigen Streit treffen sich Lenski und Onegin zum Duell und Onegin tötet Lenski.

Nach einigen Jahren unsteten Lebens trifft Onegin den Fürsten Gremin in St. Petersburg. Dessen Frau ist keine geringere als Tatjana. Plötzlich flammen Gefühle bei Onegin auf. Es ist zu spät. Tatjana will ihrem Ehemann treue bleiben, obwohl sie Onegin immer noch liebt. Verzweifelt bleibt Eugen Onegin zurück.

Opern in russischer Sprache haben es deutlich schwerer als beispielsweise italienische. Von daher gehört der Oper Dortmund ein großes Lob, sich mit Stoff in der Originalsprache zu beschäftigen. Denn so verbindet sich die russische Musik der Romantik mit dem Text zu einer Einheit.

Tina Lanik stellt uns die „alte Welt „ und die „neue Welt“ in zwei drehbaren Würfeln vor. Das Landgut irgendwo in der russischen Steppe mit fröhlichen und singenden Bauern (Fron kommt aber nicht von fröhlich!) steht dabei im Kontrast zu St. Petersburg mit einem Auto als Statussymbol und Menschen in grauen Anzügen und Kostümen.

Eugen Onegin steht irgendwo dazwischen, das Landleben ist unter seiner Würde, aber auch das Stadtleben mit seinen Bällen langweilt ihn zu Tode. Ganz der Romantik verhaftet, ist die Hauptfigur des Versromans ein Vertreter des „überflüssigen Menschen“, inspiriert von den Helden des englischen Schriftstellers Lord Byron. Simon Mechlinski singt und spielt den Onegin sehr gekonnt, ebenso wie Emeliy Newton ihre Figur Tatjana. War Tatjana zu Beginn ein verschüchterter Bücherwurm, erschien sie im dritten Akt als gereifte Frau. Onegin erkennt hingegen, dass sein bisheriges Leben ein Fehlschlag gewesen ist.

Die tragische Gestalt der Oper ist aber Lenski. Er geht schlafwandlerisch seinen Weg in den Tod, obwohl es immer noch genügend Auswege gab. Aber hier steht eine romantische Auslegung von „Ehre“ und „Kränkung“ im Weg, die keinerlei Alternativen zum tödlichen Duell gibt. All das kommt in Lenskis Arie zum Ausdruck, die Thomas Paul brilliant singt. Auf der Bühne wird der tragische Ausgang des Duells schon als bedrohliches Schattenspiel angekündigt.Ileana Mateescu zeigt in ihrer Rolle die lustige, aber naive Olga wieder ihre gewohnten sanglichen und schauspielerischen Qualitäten.

Die ganze Inszenierung war auch in den Nebenrollen gut besetzt: Almeerija Delic als Larina, Judith Christ als Amme und Luke Stoker als Fürst Gremin fügten sich nahtlos ins das gut aufgelegte Ensemble ein. Fritz Steinbacher zeigte als Triquet erneut seine humoristischen Qualitäten.

Auch die Chöre boten eine hervorragende Leistung. Lanik spielt bei dem Mädchenchor mit der Metapher des Erwachsenen werden, indem sie deren unschuldig weißen Hemden mit roter Farbe beschmieren lässt.

Kommen wir zu der Musik: Tschaikowsky hat die Oper mit herrlichen romantischen Melodien versehen. In jeder Note bei „Eugen Onegin“ spürt man die russische Seele und die Gefühle und Konflikte der Hauptfiguren werden beinahe greifbar. Einen großen Anteil haben daher die Dortmunder Philharmoniker unter der Leitung von GMD Gabriel Feltz.

Großartige Musik und großartige Stimmen – Eugen Onegin ist einen Besuch auf jeden Fall wert. Es muss nicht immer italienisch sein…

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Ob nun im Schauspielhaus mit den Stücken von Wenzel Storch oder mit dem Theaterkollektiv „Komplott Legal“: Wenn jemand in ein Stück von oder mit Thorsten Bihegue besucht, kommt er jedenfalls schlauer wieder heraus und ist dabei auch noch gut unterhalten. Das Prinzip der Wissensvermittlung durch Theaterbesuch funktionierte auch bei „Zombification – Lecture-Performance mit Hirn“, die am 27.10. 2017 im Theater im Depot Premiere hatte.

Das Wort „Zombie“ kommt aus der zentralafrikanischen Sprache Kimbuntu und bedeutet „Totengeist“. Über Haiti und dem Voodoo haben die Zombies den Weg in die populäre Kultur gefunden, als willenlos Untote, die auf ständiger Suche nach menschlichen Fleisch sind.

Das Trio von „Komplott Legal“ Isabel Stahl (Regie und Produktion), Christine Köck (Video und Grafik) sowie Theresa Mielich (Ausstattung) schufen eine fiktive Brennpunktsendung „Wo brennt‘s jetzt“ in der Zombitologe Wolfram Kowalewski (Bihegue) und Regine Anacker (Moderatorin) über die Zombies informierten und Tipps gaben, wie man eine Zombicalypse überlebt. Nicht nur Anacker war vom Dortmunder Sprechchor, sondern auch weitere neun Mitglieder, die als realitätsnah geschminkter „Zombiechor“ schönes Anschauungsmaterial boten.

Was fasziniert uns an Zombies? Ist es die Angst vor einer seelenlosen, stumpfen Masse, die unser gewohntes Leben durcheinanderbringt? Es ist schon erstaunlich, wenn Demokraten in den USA regieren, dann kommen mehr Vampirfilme auf dem Markt, denn so Kowalewski, die Demokraten fürchten mehr den Geldadel der Wall-Street, der mit den Blutsaugern eher assoziiert werden kann. Die Republikaner fürchten eher den Aufstand der Massen, der Armen und Ausgestoßenen, die das bürgerliche Leben in ein Chaos verwandeln.

Selbstverständlich wird auf die filmischen Komponenten der Zombie-Thematik eingegangen, wenn auch meist nur mit Bildern von Filmcovern. Kurz zu sehen ist ein älterer Zombiefilm aus den 40er Jahren, in dem Zombies die klassische Rolle als willenlose, fremdbestimmte Figuren einnehmen.

Auch in „Zombification“ spielen die Zombies zunächst nur die Rolle als billige Arbeitskraft, denn billiger als ein Untoter geht nicht, um dann doch mit erstaunlichen Fähigkeiten zu glänzen wie beispielsweise dem Spielen eines Glockenspiels.

Praktische Tipps gibt es auch von von Kowalewski: Wie schützt man sich vor Zombieangriffen , welche Waffen sind nützlich und wo versteckt man sich. In einem Video, dass nicht zufällig einem Ego-Shooter ähnelt, kämpft sich unser Experte durch eine Horde von Trainingszombies.

Was nimmt der Theaterbesucher aus diesem Abend mit? Er erlebt Zombies die singen und tanzen, Live-Musik (natürlich „Zombie“ von den Cranberries), eine gut aufgelegte Moderatorin samt Experten und neun großartige Zombies. Zombies sind eben mehr als herum schlurfende, fleischfressende Untote, sie sind Teil unser Popkultur und daraus nicht mehr wegzudenken. Angesichts der politischen Verhältnisse in den USA ist also wieder mit mehr Zombiefilmen zu rechnen. Die wichtigen Frage sind doch. Wie viel Zombie steckt in uns, welche Bedingungen fördern sie und wie kann man sich dagegen wehren?

Die nächste Möglichkeit das Stück zu sehen, bietet sich am 04. Novemeber 2017 um 20 Uhr im Theater im Depot.

Das Dortmunder Kurzfilmfestival XXS feierte 2017 einige neue Premieren. Zunächst wurde mit dem Opernhaus ein neuer Ort gewählt, zum anderen wurde das Corporate Film Festival zum ersten Mal durchgeführt. Ars tremonia war am 07.10. 2017 auf beiden Festivals dabei.

Große Bühne für kurze Filme. Das Opernhaus öffnete seine Pforten und verwandelte sich in ein Festivalzentrum. Im Operntreff fand ab 15 Uhr zum ersten Mal das „Corporate Film Festival“ statt. 10 Unternehmensfilme buhlten um den Preis der Jury. Spannend zu sehen wie unterschiedlich Unternehmen an die Sache herangingen. Von Selbstironie über kurze emotionale Bilder bis hin zu langatmigen „wer wir sind“-Videos. Dem Rezensenten haben die selbstironischen Beiträge (wie beispielsweise von der Berliner Verkehrsgesellschaft) an besten gefallen und anscheinend der Jury auch. Denn „Entdecke die Zeichen“, der Zeitschrift „Unsere Kirche“ spielt mit religiösen Bildern, die vermutlich selbst Athetisten im Kopf haben wie beispielsweise das berühmte Bild vom letzten Abendmahl.

Bei den vier Studentenbeiträgen siegte ostwestfälischer Humor mit dem Beitrag „Der Sprung vom Tellerrand“ der Hochschule OWL.

Um 19 Uhr wurde es Zeit für die 15 Wettbewerbsfilme des Abends. Aus 400 eingesendeten Beiträgen suchten die Kuratorinnen und Kuratoren 15 Beiträge für die Abendveranstaltung aus. Und fast alles Genre waren vertreten: Drama, Humor, Animation zwischen 2 Minuten und 19 Minuten.

Natürlich gab es auch Preise bei XXS: Drei Jurypreise und den Publikumspreis. Die Jury bestand aus Peggy Lukac, Marcel Glauche, Sascha Biskley, Anna Fischer und Yvonne Pferrer.

Den dritten Platz belegte das Drama um Hausgewalt „112-Pizza“. Der belgisch-französische Film variiert die Geschichte, dass eine Frau den Notruf anwählt, aber den Notruf als Pizzabestellung tarnen muss, da ihr gewalttätiger Mann in der Nähe ist.

Platz 2 ging an „Le plombier“. Auch wieder eine belgisch-französische Produktion. Hier dreht sich alles um das Leben im Milieu der Synchronisation von Pornofilmen. Ein sehr schöner Film mit guten Schauspielern.

Gewinner der Jury war aber „Un Etat d‘urgent“, der sich mit dem Thema Angst nach Terroranschlägen beschäftigt. Der deutsche Film spielt in einer französischen Stadt kurz nach den Terroranschlägen in Paris, zwei Soldaten entdecken auf der Patrouille einen herrenlosen Rollkoffer. Plötzlich wird aus einem eigentlich harmlosen Gegenstand eine Bedrohung.

Das Publikum entschied sich dieses Jahr für den Film „Princess“. Der deutsche Film erzählt die Geschichte des 11-jährigen Ole, der zwischen seiner Männlichkeit und seiner Weichheit hin- und hergerissen ist. Als ihn Mitschülerin Davie erwischt, wie er ein Prinzessinenkleid an hat, überredet sie ihn, ihr bei einem Karaoke-Wettbewerb zu helfen.

Moderiert wurde die Abendveranstaltung von Robert Schell und Alina Höngen, zwei Studierende der WAM.